LA OPERA

La palabra opera significa "obras" en italiano (es el plural de opus, del Latín, que significa "obra" o "labor") sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.

Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana) y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales).

Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita alrededor de 1597, bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos como la "Camerata de' Bardi" o "Camerata Florentina". Significantemente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación. Dafne se halla perdida. Una obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la primera ópera que ha sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607

Otros antepasados de la ópera

Religiosos

En los primeros tiempos, la música había sido parte de los Misterios medievales, destacando a una de sus compositoras más conocidas para el público actual, Hildegard de Bingen. Si éstos deben ser mirados como posibles progenitores de la ópera es altamente discutible. Las celebraciones litúrgicas importantes eran a menudo dramáticas en considerable grado, presentando procesiones elaboradas, Tableaux vivants y drama litúrgico; la Missa Aurea es el ejemplo más conocido. Una nueva forma de drama litúrgico del siglo XVII, el oratorio se presentó poco después del advenimiento de la ópera, aunque, debido al menos a la cantata, forma de aria-recitativo no dramática (originalmente secular)
Seculares

Los orígenes de la ópera claramente recaen en la corte noble, mientras que los Misterios fueron normalmente una forma burguesa, confiada al Gremio. Pero varias formas de festividades cortesanas medievales combinaron música y drama; en el período gótico la mayoría de los banquetes medievales, tales como el "Banquet du Voeu du Faisan" de Borgoña de 1454, fueron acompañados por representaciones, a menudo elaborados montajes reviviendo acciones militares, con cortesanos tomando parte. No así como los dramas litúrgicos, que se conservan en gran número, al menos sus libretos; sólo tenemos ligeras descripciones de los primeros espectáculos dramáticos cortesanos. Una Entrada Real era típicamente acompañada por varias presentaciones cortas, entre ellas Tableaux vivants y mascaradas.

sin embargo una de las operas que mas se desarrollo fue la opera italiana. te invito a que sigas los siguientes enlaces donde descubrirás como se hace una opera y el maravilloso mundo que se esconde detrás de su escenario:

1.

https://www.youtube.com/watch?v=htyUDGgGVNQ

2.

https://www.youtube.com/watch?v=H1BRKy2oFTo

3.

https://www.youtube.com/watch?v=br_qt4VgGfg

4.

https://www.youtube.com/watch?v=riYhwpYC8H4

5.

https://www.youtube.com/watch?v=ULGczeoLabI

6.

https://www.youtube.com/watch?v=-q4O_P5_THw

7.

https://www.youtube.com/watch?v=sBc3G5OreME

después de haber visto los comienzos de la opera italiana te invito a que termines de consultar sobre la opera y porque no darle una oportunidad a ver una!!!!

al correo electrónico luciyfl@gmail.com debes enviar una estructura de como harías una opera ubicándonos en el siglo XXI, teniendo en cuenta los elementos que la conforman... temática, escenografía, actos, música etc...

suerte!!!

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EL ROMANTICISMO

EL ROMANTICISMO

El romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

Se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania hasta llegar a otros países. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Posromanticismo, del cual derivó el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

https://prezi.com/mmllsnu4b7p0/copy-of-el-romanticismo-musical/

LA MUSICA

La controversia se inició en los años 1830 cuando Hector Berlioz compuso su Sinfonía fantástica, que se presentó acompañada de extenso texto que describía el programa de la sinfonía, lo que causó que muchos críticos y académicos opinaran sobre el tema en sí. Entre los primeros detractores se encontraba François-Joseph Fétis, director del recién creado Conservatorio Real de Bruselas, que declaró que la obra "no era música".

Robert Schumann defendió la obra, pero no el programa, argumentando que la buena música no podía verse afectada por malos títulos, pero que los buenos títulos no servían para salvar una mala obra. Franz Liszt fue uno de los defensores de la inspiración extra-musical.

A medida que pasó el tiempo las diferencias aumentaron, con polémicas azuzadas por ambos bandos. Para aquellos que creían en la música "absoluta", la perfección formal descansaba en la expresión musical que respetaba los esquemas trazados en obras previas, sobre todo en la forma sonata que ya había sido codificada. Para los impulsores de la música de programa, la expresión rapsódica de la poesía o cualquier otro texto externo, era, en sí mismo, una forma. Argumentaban que al involucrar la vida del artista en la obra sería necesario seguir el curso de la narración. Tanto unos como otros citaban a Beethoven como fuente de inspiración y justificación. Esta disputa se resumió como el conflicto entre los seguidores de Johannes Brahms y Richard Wagner: Brahms era considerado el pináculo de la música absoluta, sin textos o referencias externas, y Wagner, el predicador de la poesía como proveedora de forma armónica y melódica para la música.

Las causas que provocaron esta controversia son complejas. Una de estas causas fue, indudablemente, la importancia creciente de la poesía romántica, así como un interés creciente por canciones que pudieran ser interpretadas en conciertos o en casa. También se ha mencionado la naturaleza misma de los conciertos, que pasaron de ser presentaciones de una amplia variedad de obras, a ser mucho más especializados, lo cual aumentó la demanda de obras instrumentales con mayor expresividad y especificidad.

Algunos ejemplos notables de inspiración extra-musical los encontramos en la sinfonía Fausto, sinfonía Dante, y varios poemas sinfónicos de Liszt; la sinfonía Manfredo de Tchaikovski; la primera sinfonía de Gustav Mahler; y el Carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns. Por otro lado, compositores como Schubert utilizaron melodías de canciones en obras más extensas, y otros, como Liszt, transcribieron arias de ópera o canciones en obras puramente orquestales.

ACTIVIDADES

1. COMPLEMENTA ESTA ACTIVIDAD CON LA PELICULA DOCUMENTAL DE BEETHOVEN Y UN RESUMEN DE LOS AVANCES QUE TUVO LA MUSICA EN ESTA EPOCA A TRAVEZ DE LOS SIGUIENTES LINKS.

2. REALIZA UN RESUMEN DE ESTA EPOCA Y SUS PRINCIPALES EXPONENTES EN LA MUSICA.

3. TENIENDO EN CUENTA LO VISTO EN LAS CLASES Y LAS ACTIVIDADES REALIZADAS EN EL BLOG ESCOJO UNA DE LAS EPOCAS QUE MAS TE LLAMA LA ATENCION Y REALIZAS UN VIDEO MINIMO DOS MINUTOS DONDE MUESTRES UN RESUMEN DE LOS ACONTECIMIENTOS MAS IMPORTANTES A NIVEL MUSICAL Y SUS PRINCIPALES INTERPRETES.

NOTA:
EL VIDEO DEBE SER REALIZADO Y SUBIDO A YOUTUBE. DEBES PEGAR EL ENLACE PARA QUE TUS COMPAÑEROS LO VEAN A TRAVEZ DEL BLOG.

RECUERDA QUE DEBES ENVIARLO AL CORREO luciyfl@gmail.com

El romanticismo
http://www.youtube.com/watch?v=ngq4rD55vlg

Beethoven
https://www.youtube.com/watch?v=mSzzqjzDC7M
http://www.youtube.com/watch?v=FPSREVPgyW0

ATONALISMO, DODECAFONISMO

ATONALIDAD

La atonalidad es el sistema musical que prescinde de toda relación de los tonos de una obra con un tono fundamental y de todos los lazos armónicos y funcionales en su melodía y acordes, no estando sujeto a las normas de la tonalidad.

Generalmente el sistema opuesto al atonalismo no se da en llamar "tonalismo" sino «sistema tonal».

Más específicamente, el término describe la música que no se ajusta al sistema de jerarquías tonales que caracterizaba al sonido de la música europea entre el siglo XVII y los primeros años del XX.

Los centros tonales reemplazaron gradualmente los sistemas de organización modal que se habían desarrollado desde el 1500 y que culminaron con el establecimiento del sistema de modo mayor y menor entre fines de siglo XVI y mediados del XVII.

Un oyente atento a obras particularmente de los períodos Barroco, Clásico o Romántico, u obras como una ópera de Antonio Vivaldi, una sonata de Beethoven (1770-1827), es capaz de advertir el final pocos compases antes de que finalice un fragmento.

El sistema tonal es el sustrato en que se basaron casi todos los compositores entre 1600 y 1900. En esas obras musicales existe un sonido que actúa como centro de atracción de toda la obra. Aunque en el transcurso de la misma se haya cambiado muchas veces de centro tonal por medio de modulaciones, por convención hacia el final siempre prevalecía la fuerza de ese núcleo original y la composición terminaba al llegar a la tónica, o sea el sonido de atracción (en griego tonos significa ‘tensión’).

El principio básico del atonalismo consiste en que ningún sonido ejerza atracción sobre cualquier otro sonido que se encuentre en sus cercanías. Por eso el oyente no puede predecir ni siquiera una nota antes, si está al final de una frase musical (la cual, aparentemente, cesa en cualquier momento) sencillamente porque no ha existido ningún centro tonal.

CROMATISMO, HACIA EL ATONALISMO

Ya el compositor alemán Richard Wagner (1813-1883) en su obra Tristán e Isolda (1859) había hecho un empleo tan amplio del cromatismo que en algunos momentos la tonalidad parecía perderse por completo. Pero en ninguno de sus escritos el alemán confesó algún intento de huir de esta, tratándose de un mero recurso. Por tanto resulta erróneo hablar del atonalismo como de una consecuencia natural y directa de la obra de Wagner.

Atonalidad libre

En la actualidad sabemos que el abandono de la tonalidad no fue idea de un solo compositor, sino de varios a la vez. El pianista y compositor Franz Liszt, que escribió obras de estilo romántico, experimentó con esta idea en algunas de sus obras: "Nubes grises" o "Bagatela sin tonalidad". Aleksandr Skriabin, compositor ruso que comenzó su carrera con una fuerte influencia de Frédéric Chopin y Franz Liszt, derivó a un particular impresionismo y atonalidad, basando una de sus sonatas en un acorde por cuartas, muy alejado de los habituales acordes de tríada formados por intervalos de tercera. En Estados Unidos, Charles Ives experimentó con la idea de la aglutinación y la politonalidad, lo que le llevó a trabajar un particular estilo atonal. Sin embargo, el inicio de la atonalidad más conocido y definitivo es el que lideró el austríaco Arnold Schönberg, quien comenzó a dejar la tonalidad abandonando las resoluciones comunes. Con sus discípulos Anton Webern y Alban Berg, practicó después la composición de obras breves para resolver el problema de la forma y luego compusieron obras con voz, de modo que el poema guiaba la forma de la obra. Las primeras obras no tonales de Schönberg se adscriben dentro del llamado «atonalismo libre». Tras su sistematización se denominó serialismo dodecafónico (o dodecafonismo).

DODECAFONISMO

Fundado por el compositor austriaco Arnold Schönberg en 1921 y descrito en privado a sus asociados en 1923, el método fue usado alrededor de 20 años por la Segunda Escuela Vienesa, compuesta por Alban Berg, Anton Webern, Hanns Eisler y el propio Arnold Schoenberg. Rudolph Reti, uno de los iniciadores, decía que «reemplazar una fuerza estructural (tonalidad) por otra (incremento de unidades temáticas) es en sí la idea fundamental del dodecafonismo», argumentando su surgimiento de las frustaciones de Schönberg por la libre atonalidad. La técnica se usó ampliamente en la década de 1950, tomada por compositores como Luciano Berio, Pierre Boulez, Luigi Dallapiccola, Juan Carlos Paz y, después de la muerte de Schönberg, Igor Stravinsky. Algunos de estos compositores extendieron la técnica para poder controlar otros aspectos y no solo la altura de las notas, como son la duración, articulación, etc., produciendo de este modo música serial. Algunos incluyeron todos los elementos de la música en el proceso serial, lo que se conoce como serialismo integral. En esta página se hace referencia a la prohibición del uso repetido de una nota, pero más bien la repetición de la secuencia melódica (intervalos), incluso tiene que estar restringido y este es el «patrón de intervalos

TE INVITO A QUE TERMINES DE PROFUNDIZAR ACERCA DEL TEMA A TRAVEZ DEL SIGUIENTE LINK:

http://www.youtube.com/watch?v=NLDPTLBJhpc&list=WLm5qrWr4NhLNsiRyTGoSRCSCdmwdpAReM

DODECAFONISMO

SERIALISMO

MUSICA ELECTRONICA.

MÚSICA CONCRETA               

La música concreta o música acusmática es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron originados por Pierre Schaeffer en los estudios de la radiodifusión francesa en 1948. La música acusmática está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron la descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (en un principio analógico, como la cinta, posteriormente digital, como el CD) con el fin de tratar este sonido de manera separada y manipularlo cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y finalmente combinando los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva como una partitura auditiva. En virtud de este proceso se habla también de "música de sonidos fijados”, ya que el resultado de la música concreta es su fijación en un soporte como la cinta de casete, el CD o un archivo informático. Esta revolución de sonidos hizo cambiar significativamente toda la estructura convencional de la música, ya que la forma musical dada al sonido de una puerta abriéndose pasó a tener la misma importancia que la de una melodía tocada al violín.

PIERRE SCHAEFFER

El compositor y teórico francés Pierre Schaeffer está reconocido como el originador de la llamada música concreta gracias a cinco trabajos para fonógrafo (conocidos colectivamente como Cinco Estudios sobre Ruidos incluyendo Estudio en Morado y Estudio sobre los Railes. Los trabajos fueron presentados en un concierto ofrecido el 5 de octubre de 1948 en París (Chion, 1983). El desarrollo de la música concreta fue facilitado por el surgimiento de nueva tecnología musical en la Europa posterior a las grandes guerras. El acceso a micrófonos, fonógrafos y posteriormente a grabadores de cinta magnética (creada en 1939 y adquirida por el Grupo de Investigación sobre Música Concreta de Schaeffer en 1952), facilitado por una asociación con la entidad encargada de la radiodifusión nacional en Francia, la Radiodiffusion-Télévision Française, permitió a Schaeffer y a sus colegas la oportunidad de experimentar con tecnología de grabación y de manipular con cintas.

Schaeffer desarrolló una práctica estética que estaba centrada en torno al uso del sonido como recurso primario para la composición y enfatizaba la importancia del juego en la creación de música. El uso de Schaeffer del juego (en francés: jeu, del verbo francés jouer), porta un doble sentido en su idioma original: "disfrutar uno mismo interactuando con su entorno", así como el acto de "tocar un instrumento musical". Esta noción es básica para la estética de la música concreta (Dack, 2002

MATERIAL DE COMPLEMENTO:

MUSICA ELECTRONICA: https://youtu.be/xR7P8DfPD8E

MUSICA CONCRETA:

http://otrasmusicasotrosmundos.blogspot.com/2010/03/que-es-la-musica-concreta.html

ENVIAR UN ENSAYO, ADICIONAR UN PEQUEÑO ÁLBUM CON LOS VÍDEOS DE LAS OBRAS QUE PARECEN EN EL TEXTO Y FOTOGRAFÍAS SOBRE EL ARTICULO:
https://es.scribd.com/document/367407629/Mapa-del-Ruido

EL BALLET

EL BALLET

El ballet (del italiano balletto, diminutivo de ballo; en español baile), danza académica o danza clásica es una forma concreta de danza y también el nombre de la técnica correspondiente. Según las épocas, los países o las corrientes y el espectáculo, esta expresión artística puede incluir: danza, mímica, y teatro (de orquesta y coral), personas y maquinaria.

El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos se basan en el control total y absoluto del cuerpo, el cual se debe enseñar desde temprana edad. Se recomienda iniciar los estudios de esta danza clásica a los seis o siete años, ya que el ballet es una disciplina que requiere concentración y capacidad para el esfuerzo como actitud y forma de vida. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía de movimientos.

Ballet como una forma de música progresó desde un simple complemento a bailar, a una forma concreta de composición que a menudo tenían tanto valor como la danza que fue junto con él.  La forma de la danza, originaria de Francia durante el siglo XVII, comenzó como una danza teatral.  No fue sino hasta el siglo XIX que ganó estado de ballet como una forma "clásica".  En el ballet, los términos "clásico" y "romántico" son cronológicamente inversos de uso musical.  Así, el período clásico del siglo XIX en el ballet coincidió con la época romántica del siglo XIX en Música.  Ballet compositores de música de los siglos XVII al XIX, incluyendo la talla de Jean-Baptiste Lully y Pyotr Ilyich Tchaikovsky, fueron en su mayoría de Francia y Rusia.  Sin embargo, con el aumento de la notoriedad internacional visto en toda la vida de Tchaikovsky, la composición de música para ballet ballet y en general en toda la extensión del mundo occidental.

TE INVITO A QUE VEAS EL CASCANUECES A TRAVEZ DE ESTOS LINKS:

http://www.youtube.com/watch?v=ojMfTNIi8r4

http://www.youtube.com/watch?v=ov4LepKEX7o

ACTIVIDAD.

1. Investiga los movimientos teatrales que tenemos en Latinoamérica como la zarzuela...y realiza una comparación con la opera y el ballet.

2. Realiza un banco de música de opera y ballet con los compositores mas importantes de la época e incorpora también los de la zarzuela.

debes enviar esto en un comprimido...recuerda que debes enviar tus actividades al correo luciyfl@gmail.com

EL BARROCO

J.S. BACH

El barroco musical se desarrolla desde el siglo XVII, con la aparición de la primera ópera, hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. Su nombre procede del portugués barrueco que significa perla grande e irregular. En esta época el poder real se fortalece debido a la creación de la monarquía absolutista. La sociedad se dividía en privilegiados y no privilegiados.

Los hombres ricos y poderosos, usaban la música para mostrar su superioridad al pueblo . La música entonces se vuelve indispensable para cualquier actividad. El músico pasa a ser un sirviente más de los que acompañaban a los nobles y les componian canciones. En el Barroco surgen los llamados castrati. También consiguieron gran popularidad los instrumentistas, los cuales inventaron el muermo,una manera muy particular y difícil de interpretar la música, debido a su velocidad y complejidad. La música más importante de esta época es la profana, en la que destaca como una de sus formas la opera. En las formas religiosas destaca el oratorio, la Cantata y la Pasión.

Características de la música religiosa en el Barroco

El desarrollo de la música instrumental fue debido a las compositivas. Hubo una gran proliferación de la música para el aburrimiento de las sociedades pobres. Se crean formas como el Concerto la Suite y la Sonata. Todo llevaría a la organización de la orquesta. Por tanto los instrumentos se perfeccionaron en todos los sentidos. En este período surgieron grandes constructores de instrumentos, como es el caso de Stradivarius.

Características de la música profana en el Barroco

La ópera fue una de las formas más destacadas del Barroco y tuvo gran influencia sobre el resto de las formas vocales. En ella se concentran elementos como el teatro, la orquesta, los coros, etc. La ópera nació en Florencia en el siglo XVII (1600) alrededor de un grupo de intelectuales llamados Camerata Florentina. La primera ópera de la que se tiene constancia es la ópera "Eurídice" de Jacobo Peri; de la cual solo se conservan algunos fragmentos. Entre los primeros que fomentaron con éxito este género se encuentra Claudio Monteverdi, quien compuso óperas entre las cuales destaca "Orfeo". En esta época todos los compositores, excepto J. S. Bach, hicieron óperas como música de moda.

Algunos Instrumentos del Barroco 

En el barroco vinieron nuevas costumbres, empezaron a pintar cuadros. En cuanto a los instrumentos se empieza a organizar la orquesta más o menos definitiva.

Se siguen utilizando instrumentos de otras épocas como el sacabuche, la trompeta y la trompa (ambos sin pistones). La nueva creación es la familia del violín, nacido de la evolución de otros instrumentos

MATERIAL COMPLEMENTARIO:

1. http://www.youtube.com/watch?v=EaVfrtNAM84

2. http://www.youtube.com/watch?v=1XMpxPwws0U

escuchar :http://www.cincosiglos.es/index.php/discografia/barroco/45-glosas

PELICULA:

http://www.youtube.com/watch?v=lfXx5Y977xU

ACTIVIDAD:

DEBES VER LA PELÍCULA Y LUEGO HACER UNA CONSULTA COMPLEMENTARIA SOBRE EL PERIODO BARROCO DONDE PUEDAS REALIZAR UNA CONTEXTUALIZACIÓN DE LA ÉPOCA.

DEBES ENVIAR UN ENSAYO DONDE INCLUYAS LOS ELEMENTOS CONSULTADOS Y TU POSTURA CON LA SITUACION POLITICA, ECONOMICA, SOCIAL Y MUSICAL CON NUESTRA ÉPOCA EN COMPARACIÓN AL PERIODO BARROCO.